Communauté

Cette artiste et professeure d'art de Kitchener, en Ontario, Melissa Fitzgerald, connue sous le nom de « la sorcière verte », aime embrasser la nature, puiser dans son esprit créatif et ajouter une touche de joie à la vie. En grandissant, Melissa a toujours été une âme créative, que ce soit dans la fabrication de bijoux, l'artisanat, l'écriture créative ou sa plus récente passion : la peinture et l'illustration. Il était tout naturel pour elle de s'exprimer de cette façon, étant donné que sa grand-mère et sa mère sont toutes deux artistes. Bien qu'elle soit en grande partie autodidacte, elle a eu la chance d'avoir de nombreux mentors et professeurs qui continuent de l'inspirer et de la guider. L'art de Melissa reflète son profond amour et son respect pour la nature et la spiritualité basée sur la terre. Récemment, elle s'est concentrée sur la représentation de champignons, de plantes et d'animaux dans un style magique et folklorique. « Si nous ralentissons et écoutons, nous pouvons apprendre beaucoup de la nature. Les arbres, le vent, les vagues, les oiseaux et les insectes ont tous des messages à nous transmettre. » Elle considère son art comme une dévotion à ces messagers, une façon de célébrer et de reconnaître leurs histoires. Encre, lavis et émerveillement Melissa adore les illustrations classiques des livres pour enfants, en particulier celles de Beatrix Potter. Elle est également une grande fan des contes de fées, du folklore et des illustrations botaniques anciennes. L'aquarelle est son médium préféré en raison de ses qualités douces et translucides. Elle la trouve idéale pour une utilisation avec des stylos à encre fine imperméables dans un style encre et lavis, mais elle est également exceptionnelle en elle-même. Au fil du temps, son style est devenu plus détaillé ; elle adore passer des heures sur une œuvre, la regardant prendre vie à chaque petit coup de pinceau. Pour elle, le processus est aussi important que le résultat, peut-être même plus. « L’art est thérapeutique », explique-t-elle, « et il ne faut jamais le faire à la va-vite. » Jouez, expérimentez et amusez-vous Melissa donne des cours d'aquarelle aux personnes âgées, et elles l'adorent ! « C'est un véritable honneur d'enseigner l'art dans un cadre communautaire », dit-elle avec un grand sourire. « Lorsque j'ai développé mes cours, je voulais partager l'aquarelle avec des élèves débutants d'une manière qui mette l'accent sur le jeu , l'expérimentation , l'apprentissage collectif et le développement de la communauté . » Elle pense que l'art doit toujours être accessible et agréable. Son objectif est de créer un environnement dans lequel les élèves se sentent suffisamment à l'aise pour prendre des risques et faire de « mauvaises » œuvres d'art avant de commencer à se sentir plus à l'aise avec ce médium. « Je fais toujours de mauvaises œuvres ! » rit-elle, les yeux pétillants. « Je ne prends pas l'art trop au sérieux. Pour la plupart d'entre nous, c'est quelque chose que nous faisons parce que nous aimons ça, pas parce que nous nous efforçons d'être les meilleurs. La pression et la compétition entravent vraiment la créativité. Je ne veux pas que quelqu'un quitte mon cours découragé ou avec le sentiment de ne pas être à sa place. Je veux que tout le monde ait le sentiment qu'il peut le faire ! » Nous sommes entourés de magie Lorsque Melissa est complètement immergée dans la nature, le temps semble s'arrêter. Elle entre dans un état de flux nourrissant et passer un après-midi à errer dans les bois devient un « remède pour le cerveau ». Ramper sur le sol de la forêt pour observer les insectes et les champignons ou mouiller ses baskets pour mieux apercevoir une grenouille dans le marais font partie de l'expérience. Son appareil photo est rempli de photos de ces excursions, chacune influençant son art. Partager ces découvertes magiques avec d'autres lui apporte de la joie. « Nous sommes entourés de magie ; il suffit de sortir, de prendre son temps et de ne pas avoir peur de se salir un peu », dit-elle. Dans ses peintures et ses croquis, Melissa fait toujours référence à ce qu'elle a appris sur les sujets, à la fois scientifiquement et symboliquement. Elle est passionnée par la nature et le folklore, explorant la manière dont différentes cultures à travers l'histoire ont interagi avec leur environnement naturel. Il est facile d'oublier que « NOUS SOMMES la nature ». Ajouter des touches fantaisistes, comme un chapeau de cow-boy sur un crapaud, est sa façon de renforcer ce lien. Cela la fait sourire et brise la barrière entre les humains et les animaux. « Nous devrions nous soucier de nos semblables et être conscients de notre impact sur la planète que nous partageons avec eux. » Quoi de neuf L'exposition de Melissa, « The Dark Half: Mabon to Samhain », est un hommage à deux des trois sabbats des récoltes célébrés en septembre et octobre. Les thèmes de la magie , de la gratitude et de l'abondance sont présents dans les œuvres, ainsi que les concepts de symbiose et de cycles naturels, y compris la mort. Elle croit en l'équilibre de la nature, en embrassant le cycle entier plutôt qu'en résistant à l'obscurité et en redoutant les nuits plus fraîches. Cet état d'esprit a façonné son travail, car elle vise à honorer ces thèmes et les saisons en constante évolution. Visitez l'exposition de Melissa à l' hôtel de ville de Waterloo , Berlin Tower ARTSPACE du 13 septembre au 31 octobre . C'est une excellente occasion de découvrir son monde magique et de trouver l'inspiration pour vous connecter avec la nature.

Chaque communauté prospère grâce au soutien de ses membres. Ce mois-ci, nous sommes ravis de présenter notre super fan , Amna Wali , de Scarborough , en Ontario . Amna, mère de trois enfants, a immigré au Canada en 2018 et est l'un de nos membres les plus actifs depuis 2022. Elle parvient habilement à équilibrer l'éducation de ses enfants avec l'exploration de diverses activités créatives. Est-ce un travail 24 heures sur 24, 7 jours sur 7 ? Certainement, mais elle le gère avec créativité.   Parlez-nous un peu de vous. Je m'appelle Amna Wali, je suis une femme au foyer et une mère bénie par la grâce de Dieu. Bien que ma formation soit en sciences et technologies alimentaires, j'ai toujours été attirée par les arts. Ma famille a nourri cette passion dès mon plus jeune âge, m'encourageant à être créative. Même si j'ai poursuivi une carrière différente, mon amour pour l'art n'a jamais faibli. J'aime explorer divers supports comme les crayons de couleur, la gouache, les pastels à l'huile et les acryliques. Bien que je ne sois pas une artiste professionnelle, je suis toujours désireuse d'apprendre et d'essayer de nouvelles choses. Que faisiez-vous à l’époque en tant que spécialiste en sciences et technologies alimentaires ? J'ai développé et perfectionné des produits alimentaires, en veillant à ce qu'ils soient sûrs, de haute qualité et produits efficacement, tout en minimisant les déchets et en réduisant l'impact environnemental. Qu’est-ce que vous aimez le plus dans les arts et l’artisanat ? Lorsque j'ai déménagé au Canada, l'art est devenu ma source de réconfort, m'aidant à faire face à de nombreux défis en tant que nouvelle arrivante. Il est ensuite devenu une passion qui m'aide à me détendre et à me connecter aux autres. Grâce à l'art, j'ai trouvé un moyen d'exprimer mes sentiments et ma créativité, ce qui en fait une partie essentielle de ma vie, en plus de prendre soin de mes enfants. Merci d'avoir créé un pixel art pour Cantoo City. Qu'est-ce qui vous a attiré vers le pixel art ? J'ai commencé à faire du pixel art à la main sur du papier millimétré. Lorsque j'ai découvert l'application Pixilart sur Instagram, qui organise des concours, j'ai commencé à le créer numériquement. C'est très amusant et j'espère pouvoir le transposer sur toile un jour. Pouvez-vous vous souvenir d’une expérience mémorable de ces dernières années ? L'un de mes projets spéciaux était un portrait numérique de ma mère que j'ai présenté à un concours pour la Journée de la femme. C'était un hommage sincère à son soutien de toute une vie. Gagner le concours a été un moment émouvant qui a approfondi mon lien avec l'art. Quels sont les projets à venir qui vous enthousiasment ? En ce moment, je suis fascinée par l'impression sur plaque de gelli et j'expérimente différentes couleurs. J'ai également hâte d'explorer l'aquarelle combinée à la calligraphie et de me plonger dans l'art du paysage. L'imprévisibilité et le frisson d'essayer de nouvelles formes me motivent. Quel a été votre moment de plus grande fierté jusqu’à présent ? Je me souviens avoir reçu le prix féminin « Sinf-e-Ahan » au Pakistan pour mon travail sur les mandalas il y a des années. Ce fut une expérience incroyablement enrichissante et cela a marqué une étape importante en tant que passionnée d'art. Quel est votre passe-temps qui pourrait surprendre les gens ? Les gens seront peut-être surpris d'apprendre que j'adore magasiner chez Dollarama. C'est une véritable mine d'or pour trouver des articles uniques pour mon prochain projet ! Quel est votre plat réconfortant préféré ? Du thé avec des biscuits, surtout lors de mes séances créatives. Si vous pouviez voyager n’importe où dans le monde, où iriez-vous et pourquoi ? J'irais au Pakistan pour rendre visite à ma famille. C'est plus qu'un simple voyage, c'est une occasion de renouer avec mes racines et de m'inspirer pour mes projets futurs. Amna, ta passion est l'une des raisons pour lesquelles notre communauté est si spéciale. Merci d'avoir partagé ton histoire avec nous. Nous sommes impatients de voir où ta créativité te mènera par la suite ! Rejoignez-nous pour célébrer la créativité au Creator Square ! Rejoignez-nous pour nous soutenir et nous inspirer mutuellement dans ce voyage commun. Continuez à partager, à créer et à grandir ensemble.

Plus tôt cette année, j'ai eu le plaisir d'assister au National Art Material Trade Show à la Nouvelle-Orléans. Au milieu des allées animées, j'ai rencontré Jessica Rudolph , la fondatrice et PDG de « My Very Own Blanket ». Son petit stand, rempli de magnifiques couvertures faites à la main, a immédiatement attiré mon attention. La passion de Jessica était évidente lorsqu'elle a partagé l'histoire sincère derrière son organisation. J'ai immédiatement su que son parcours méritait d'être partagé avec un public plus large. My Very Own Blanket est une organisation à but non lucratif qui se consacre à apporter amour, réconfort et espoir aux enfants placés en famille d'accueil grâce à des couvertures faites à la main. Des milliers de couvertures sont données chaque année et personnalisées au nom de l'enfant. Au cours des 25 dernières années, elles ont eu un impact sur d'innombrables vies, grâce au dévouement de bénévoles qui fabriquent chaque couverture à la main avec soin. Qu'est-ce qui vous a inspiré à créer My Very Own Blanket ? Tout a commencé en 1999, alors que je tricotais près du berceau de mon enfant. Dans ce moment de calme, j'ai réalisé que je pouvais utiliser mes compétences en tricot pour aider les enfants placés en famille d'accueil. Le manque d'effets personnels et les déplacements constants d'un endroit à un autre m'ont touché. Je voulais offrir à ces enfants quelque chose qu'ils pourraient appeler leur propre, quelque chose qui leur procurerait du réconfort et un sentiment d'appartenance. C'est ainsi qu'est née « Ma propre couverture ». Quelle est votre mission ? Je souhaite apporter amour, réconfort et espoir aux enfants placés en famille d'accueil en leur offrant une couverture faite main. Chaque couverture est le fruit d'un travail d'amour, confectionnée par des bénévoles qui partagent notre passion. Nous pensons que ces couvertures offrent un sentiment de sécurité et un rappel tangible que quelqu'un se soucie profondément d'eux. « Il faut tout un village pour élever un enfant... Les bénévoles donnent de leur temps pour avoir un impact profond sur la vie d'un enfant. » Pourquoi cette cause est-elle si importante pour vous ? Les enfants placés en famille d'accueil sont confrontés à de nombreux défis et se sentent souvent perdus et seuls. Une couverture peut sembler être un petit geste, mais elle représente bien plus que cela. C'est un symbole d'amour et de stabilité dans une période par ailleurs turbulente. Savoir que je fais une différence dans la vie de ces enfants est incroyablement gratifiant. Où êtes-vous situé et comment les gens peuvent-ils s’impliquer ? Nous opérons principalement dans l'Ohio, mais notre portée s'étend au Canada, à l'Australie, à l'Angleterre, à l'Irlande et aux îles Vierges américaines, grâce à notre réseau de bénévoles dévoués. Tout le monde peut s'impliquer en fabriquant une couverture ou une courtepointe. Ils peuvent également nous soutenir en faisant un don, en fournissant un transport ou en organisant un événement de fabrication de couvertures. Nous accueillons les « anges de la couverture » de tous âges, des scouts aux seniors et à tous ceux qui se situent entre les deux. Chaque contribution, aussi petite soit-elle, nous aide à atteindre notre objectif d'apporter du réconfort aux enfants placés en famille d'accueil. Pour mieux comprendre la personne derrière cette mission sincère, nous avons posé quelques questions personnelles à Jessica. Quel est votre plat réconfortant préféré lorsque vous tricotez une couverture douillette ? J'adore savourer une tasse de thé chaud ! Cela complète parfaitement le confort du tricot. Parlez-nous d’un talent amusant ou surprenant que vous avez au-delà du tricot. En plus du tricot, je m'adonne également à la création de pièces en vitrail. Si vous pouviez organiser un événement de fabrication de couvertures avec une personnalité célèbre, vivante ou décédée, qui serait-elle et pourquoi ? Je choisirais Sandra Bullock. J’admire ses valeurs, sa morale et son éthique, et je crois qu’elle serait la partenaire idéale pour un événement de création de couvertures significatif. Grâce à son dévouement, Jessica a fait de « My Very Own Blanket » un symbole d’espoir pour les enfants placés en famille d’accueil. Selon elle, « vous faites quelque chose de profond, quelque chose qui a un impact à long terme sur la vie de quelqu’un. » Lorsque vous faites un don local, vous contribuez à une cause importante et vous constatez de visu l’impact de cette action. Cette année, Jessica a pour objectif de distribuer 40 000 couvertures faites main aux enfants et adolescents placés en famille d'accueil et dans le besoin. Jusqu'à présent, 19 898 couvertures ont été distribuées. Allez-vous l'aider à atteindre la prochaine étape ? Visitez My Very Own Blanket pour en savoir plus et vous impliquer.

La fête des mères est une fête spéciale pour beaucoup de gens et cette fois-ci, nous avons invité Susan Fitzgerald comme invitée spéciale. Cette mère de trois enfants adore les moments avec ses enfants et aussi les choses les plus simples de la vie. Cependant, rien ne se compare à la joie qu'elle trouve dans la peinture à l'aquarelle. Susan, pouvez-vous nous parler un peu de vous ? Je m'appelle Susan Fitzgerald. J'ai épousé mon meilleur ami il y a 50 ans, je suis mère de 3 enfants (6 si vous comptez leurs conjoints, ce que je fais) et grand-mère de 4 adorables hooligans. J'aime les promenades en forêt, la plage, les voyages, le tricot, la couture, le jardinage et la peinture à l'aquarelle. Quand je crée, je suis dans mon élément et cela m'apporte une immense joie. D'un autre côté, quand je ne crée pas, je peux devenir un peu nerveuse 😊 Comment votre éducation a-t-elle influencé votre créativité ? Ma mère a eu une influence considérable sur ma créativité. Elle s’est toujours adonnée à diverses activités créatives comme la couture, le tricot et la peinture à l’huile. Elle excellait dans la fabrication de porcelaine, ce qui est devenu sa véritable vocation. En grandissant, la créativité était un mode de vie dans notre famille. Qu’il s’agisse de coudre des vêtements ou de fabriquer des objets trouvés, il y avait toujours une occasion de créer. Nous avions beaucoup de matériel de dessin et de coloriage, ce qui a encore alimenté ma passion pour la créativité. « ... n'abandonnez jamais, embrassez la vie avec un cœur léger et comprenez que l'âge n'est qu'un chiffre. » Qu’est-ce qui vous a amené à découvrir votre passion pour l’aquarelle ? Tout a commencé de manière inattendue au début du confinement lié à la pandémie. C’était une période d’incertitude et mon fils a décidé de me commander du matériel artistique de base. Cela s’est rapidement transformé en une obsession quotidienne. J’ai trouvé du réconfort dans la peinture et c’est devenu pour moi une forme de méditation. Le processus de création à l’aquarelle m’a permis de calmer mon esprit occupé et de m’immerger pleinement dans le moment présent. Peindre aux côtés de ma fille, malgré nos styles différents, a encore approfondi mon amour pour ce médium. Aujourd’hui, je prends plaisir à partager mon matériel artistique avec mes petits-enfants, les encourageant à explorer leur créativité. Même si je ne suis pas une artiste à plein temps au sens traditionnel du terme, les possibilités infinies de la peinture à l’aquarelle continuent de me fasciner et je trouve une immense joie dans l’expérimentation et l’apprentissage qu’elle apporte. Pouvez-vous partager l’histoire derrière votre œuvre d’art préférée ? L'une des pièces les plus significatives que j'ai créées était une commande : un cadeau pour le mari d'une amie en mémoire de leurs animaux de compagnie adorés. Malgré la nervosité initiale, voir sa réaction émotionnelle a été gratifiante. C'était vraiment gratifiant de voir que je l'avais touchée et que sa vision s'était réalisée. C'est le cadeau ultime que je pouvais recevoir. Quelles sont vos fournitures artistiques indispensables dans votre studio ? Mes indispensables en matière de fournitures artistiques sont simples. Du bon papier, un assortiment de peintures aquarelles (sèches et en tube) et quelques pinceaux de base. J'enrichis mes fournitures avec des bâtons, des plumes et du sel, c'est-à-dire tout ce qui me permet de marquer le papier. Quels nouveaux supports ou techniques souhaitez-vous explorer ensuite ? Bien que j'adore l'aquarelle, j'ai hâte d'explorer de nouveaux supports et de nouvelles techniques. L'expérimentation avec les encres à l'alcool me fascine particulièrement, car elle offre des possibilités infinies d'expression créative. Si la vie était un chef-d’œuvre, quel en serait, selon vous, le titre et le support ? Eh bien, la vie est un chef-d'œuvre, n'est-ce pas ? Je ne peux pas l'envisager comme une œuvre d'art, mais plutôt comme un sentiment. Le bruit du vent dans les arbres, le chant des oiseaux, la lumière du soleil et le ciel noir d'encre, les étreintes chaleureuses, les rires et les larmes, la découverte de nouveaux endroits, de nouvelles idées, la rencontre de nouvelles personnes et le fait de chérir ses amis et sa famille. La nature peint à grands traits colorés ; ses supports sont la terre, l'air, le feu et l'eau. Mon plan n’est pas de vieillir gracieusement, mais de vivre la vie outrageusement ❤️ Alors que nous terminons notre conversation avec Susan, son histoire nous laisse un sentiment d'encouragement. En tant que personne qui aime créer des choses, elle nous rappelle à quel point il est agréable d'être créatif. Célébrons ensemble la fête des mères et continuons à trouver l'inspiration dans nos activités créatives. Suivez Susan sur Instagram @susan.fitzgerald.art et montrez votre soutien. Pour toute question concernant notre blog, n'hésitez pas à envoyer un message à social@cantoocity.com .

Lors de ma récente visite au Japon, j'ai visité plusieurs salons professionnels locaux. Parmi eux, « Value Books », une librairie d'occasion située dans la ville d'Ueda, a immédiatement retenu mon attention. Opérant à la fois en ligne et en magasin, ils se sont donné pour mission de donner une nouvelle vie aux livres d'occasion. Depuis 2007, Value Books ne se contente plus de vendre des livres ; elle transforme ceux qui n'ont pas de prix en produits de tous les jours, ajoutant continuellement de la valeur à ce que d'autres pourraient jeter. Imaginez : chaque jour, Value Books reçoit pas moins de 20 000 livres provenant de tous les coins du Japon. Le hic ? Environ la moitié d'entre eux n'ont pas pu être vendus et ont été destinés à la collecte des déchets papier. Consciente de l'impact environnemental, Value Books a transformé ce défi en opportunité en collaborant avec des partenaires pour donner un nouveau départ à ces livres inutilisés. Le projet « Cahier qui était un livre » a été lancé dans le but de préserver l'essence des livres et d'inciter les utilisateurs à réfléchir à la valeur de ces livres. La matière première de chaque carnet, le « papier qui était un livre », contient des fragments qui évoquent sa vie antérieure en tant que bande dessinée, magazine ou recueil de poésie. Il sert de rappel du cycle de la vie, permettant à chaque pièce de raconter son histoire avant d'entamer un nouveau chapitre. Mais leur histoire ne s'arrête pas là. Plus tard, j'ai découvert leur librairie mobile, le « Book Bus », où 1 000 livres à la fois se déplacent dans les communautés locales, les parcs et les endroits où les petits rats de bibliothèque peuvent s'immerger dans la joie de la lecture. Ce n'est pas seulement une librairie sur roues ; c'est une nouvelle approche pour transmettre le savoir et nourrir la communauté. La valeur profonde va au-delà des roues ; c'est la conviction de livrer ces trésors là où ils sont le plus nécessaires. Outre ces deux initiatives, Value Books a développé divers programmes qui ont un impact significatif au niveau local. Leur dévouement aux efforts axés sur un objectif m'a touché au cœur. Ils m'ont montré que des choses incroyables peuvent se produire lorsque les entreprises sont guidées par un sens aigu de l'objectif . Tout comme chaque livre réutilisé, chaque personne a le potentiel de commencer un nouveau chapitre, contribuant de manière significative au monde qui nous entoure. À la prochaine. Sherry, fondatrice et PDG de Cantoo City Source : www.valuebooks.jp ; IG@valuebooks_press Ne manquez pas l'occasion de partager votre histoire avec nous. Nous serions ravis de vous entendre ! Envoyez-nous un message ou un commentaire ci-dessous pour partager votre parcours avec notre communauté. Pour toute question concernant notre blog, n'hésitez pas à envoyer un message à social@cantoocity.com

Les voyages d'affaires nous permettent souvent de rencontrer des personnes remarquables. Ce mois-ci, nous avons eu le plaisir de rencontrer Sakurai Miyuki , une jeune créatrice et artiste émergente de Tokyo, au Japon . Mademoiselle Miyuki est notre invitée vedette du mois. Pouvez-vous nous parler un peu de vous ? Je m'appelle Sakurai Miyuki et je suis originaire de Tokyo, au Japon. Mon parcours a commencé dans l'enfance avec une passion pour le dessin et un intérêt particulier pour les mangas. Aspirant initialement à devenir créatrice de mode pendant mes années d'école primaire, je me suis ensuite plongée dans la peinture à l'huile, en me spécialisant dans cette discipline à l'école d'art. Après avoir obtenu mon diplôme, je me suis lancée dans le travail indépendant, en présentant et en vendant mes œuvres lors de divers événements. Ce fut toute une aventure. Dans quel style d’art vous spécialisez-vous ? Mon expertise réside dans la création de peintures à l'huile et à l'aquarelle qui véhiculent un récit fantastique. Mon processus consiste à laisser la toile capturer l'essence du moment, en m'inspirant de mes éléments préférés. Mes illustrations sont ancrées dans des souvenirs et des expériences d'enfance. Qu’est-ce qui stimule réellement votre créativité ? Les dessins animés, notamment ceux de Ghibli et de Disney, m'ont beaucoup influencé. Bien que j'aie grandi dans un environnement urbain, j'ai un véritable amour pour la nature, qui se retrouve souvent dans mon travail. C'est comme si je mélangeais une touche de nature avec le paysage urbain de ma toile ! Quels outils avez-vous toujours à portée de main pour votre art ? Un pinceau, une peinture ou une technique de prédilection que vous aimez ? J'aime utiliser à la fois de la peinture à l'huile et des crayons de couleur. Les crayons de couleur apportent cette touche de texture et de dessin à la main que j'aime vraiment. Jouer avec des formes et des couleurs inattendues rend les choses intéressantes. Avez-vous des faits amusants et intéressants sur vous-même ? Je suis toujours en train de m'amuser avec la musique lorsque je suis dans ma zone créative. Je m'inspire de toutes sortes de genres. De temps en temps, une chanson en particulier me captive totalement et son ambiance devient le carburant de mon travail. Dans cinq ans, où vous voyez-vous ? Je rêve d'installer un café chaleureux et un atelier d'art dans une vieille maison entourée d'arbres. Imaginez le chant des oiseaux et la vue sur une zone boisée, créant l'ambiance parfaite. Oh, et je ne peux pas oublier mon border collie et mon chat – ils seront là avec moi, ajoutant à l'énergie créative 💕 Si vous pouviez être n’importe quel animal, quel serait votre choix et pourquoi ? J'opterais pour un aigle ou un faucon, leur vol majestueux est tout simplement trop cool. Imaginez-vous planer gracieusement dans le ciel, observant des paysages lointains avec ces yeux perçants. C'est le rêve ! Et voilà, un aperçu du monde imaginaire de Sakurai. Nous avons hâte de visiter son café et son studio chaleureux en pleine nature la prochaine fois. Merci, Sakurai, d'avoir partagé ton art et tes rêves avec la communauté. Espérons que tes rêves se réalisent ! https://pockethoheto.wixsite.com/sakurai-miyuki Suivez Sakurai sur Instagram @hoheto1022 ou visitez son site Web pour montrer votre soutien. Pour toute question concernant notre blog, n'hésitez pas à envoyer un message à social@cantoocity.com

Fin octobre, dans un café Starbucks, Caterina était assise tranquillement dans un coin, ce qui a éveillé ma curiosité. Je ne savais pas qu'un esprit créatif était en jeu. Rencontrez Caterina Sauro , une jeune artiste, bâtisseuse communautaire et entrepreneure de Mississauga, en Ontario. Mêlant art visuel et littérature, le parcours de Caterina se déroule, de l'autoédition du livre « Salut, je m'appelle Monella » à la fondation de @exproseyourself. Rejoignez-nous pour découvrir comment la passion de Caterina crée une histoire qui va au-delà de l'habituel.   Pouvez-vous nous parler un peu de vous ? Je suis une artiste multidisciplinaire qui aime raconter des histoires à travers les arts visuels et la littérature. À chaque étape de ma vie, je reste une personne créative. À mesure que je vieillissais et devenais adulte, mon désir de créer de l'art s'est transformé en un rêve de créer des espaces et des expériences où d'autres peuvent faire de l'art en communauté. Dernièrement, mon passe-temps favori a été de créer des illustrations numériques. La possibilité de choisir des couleurs, des pinceaux et de manipuler des calques avec précision m'enthousiasme. C'est également écologique et prend beaucoup moins de place dans mon appartement. Quand je veux écrire, j'écris soit de la poésie, soit j'invente des histoires loufoques. J'ai récemment pu combiner mes deux passions en un seul projet passionné lorsque j'ai auto-publié mon livre de poésie et d'illustrations, "Hi, My Name is Monella" en 2022. Lorsque je ne crée pas ou que je ne réfléchis pas à mon prochain projet, je fais des câlins à mon chat Benedict et je regarde des sitcoms des années 90 jusqu'à l'heure du coucher.   Dans quel type d’art vous spécialisez-vous ou aimez-vous créer ? Mon style varie d'une pièce à l'autre, même si, comme j'ai remarqué des cohérences dans les pièces qui brillent le plus, je dois dire que je me spécialise dans les pièces qui incluent la nature, y compris les fleurs, ou la nourriture. Il est important de noter que les pièces célébrant l'architecture et les animaux arrivent à égalité en deuxième position.   Que pensez-vous de l'art numérique par rapport à l'art traditionnel ? Quels sont les avantages et les inconvénients de chaque média selon votre expérience ? Il est difficile de comparer l’art numérique à l’art traditionnel, car ils sont tous deux extrêmement précieux pour l’évolution de l’art et la façon dont nous le créons. Nous voyons dans les musées des œuvres d’art sur des poteries anciennes, des portraits de dignitaires et des scènes célébrant la religion d’il y a des siècles, de l’autre côté du couloir de l’expressionnisme contemporain utilisant l’art numérique et d’autres supports multimédias. Il y a largement assez de place pour les deux. Avec l'art numérique, vous pouvez vraiment créer n'importe où et à tout moment. Vous pouvez également modifier, annuler et peaufiner vos créations autant que vous le souhaitez. La correspondance des palettes de couleurs est un atout. D'un autre côté, vous pouvez toujours compter sur les pannes technologiques, il faut donc privilégier les sauvegardes constantes. L'art traditionnel offre une expérience complètement différente. Mélanger les peintures, tenir le pinceau et sentir la texture de la toile contre les poils du pinceau est l'avantage de tous les avantages. Oui, c'est cher. Oui, cela prend beaucoup de place. Oui, c'est salissant, mais si vous pouvez le faire fonctionner, cela en vaut vraiment la peine. Il existe un niveau de connexion entre l'artiste et l'art avec les débouchés traditionnels qui manque au numérique, mais le style de vie écologique et épuré qu'offre le numérique équilibre les deux méthodes. Faites ce que vous avez à faire, tant que vous créez.   En réfléchissant à votre parcours, pouvez-vous partager les détails de la peinture la plus difficile que vous ayez jamais créée et les raisons de sa difficulté ? Le tableau le plus difficile que j'ai jamais créé était le portrait d'un membre de ma famille. J'ai fait de mon mieux pour le rendre parfait, mais mes retouches constantes ont fini par rendre l'œuvre inutilisable. Cette œuvre m'a appris que mon travail n'est peut-être pas toujours parfait, mais que s'il est complet, c'est suffisant.   Qui a eu un impact profond sur vous ou a été une source d’inspiration pour façonner votre identité ? Il existe une artiste dans le monde qui s'appelle Reyna Noriega. C'est une illustratrice numérique qui est devenue une artiste incroyable avec un portfolio qui parle de lui-même. Elle m'a montré que la meilleure chose que vous puissiez faire pour vous-même et votre travail est de le faire, tout simplement. Faites-le pour vous, le reste viendra.   Quel mouvement artistique résonne le plus en vous et comment influence-t-il ou inspire-t-il votre travail ? Le postimpressionnisme est mon mouvement artistique préféré. L'œuvre de Van Gogh, en particulier, influence mon approche de la superposition des couleurs, et ses coups de pinceau sont ce qui m'inspire à continuer de créer de l'art traditionnel.   En tant que fondateur de @exproseyourself , pourriez-vous nous donner quelques informations sur le but et l’essence de ce groupe ? À une époque où la plupart des gens étaient confinés chez eux, je me suis retrouvée à participer à des réunions virtuelles avec d’autres poètes, à écrire ensemble et à partager ce que nous avions écrit. À mesure que nous nous sentions plus à l’aise à quitter nos maisons, ces rencontres se sont de moins en moins produites et la communauté virtuelle m’a manqué. Grâce à Exprose, les membres de la communauté d’écrivains locale de Mississauga ont un endroit où ils peuvent venir écrire entourés d’autres personnes qui sont également enthousiastes à l’idée d’écrire sur le même sujet : l’œuvre du poète en vedette. Il y a une symbiose de partage et de réception qui se produit dans cet espace, et c’est exactement ce que je voulais qu’il se passe.   Si vous pouviez incarner la vie de n’importe quel animal sur Terre, lequel choisiriez-vous et pourquoi ? J'adorerais être le chien de famille adoré d'une maison de banlieue. Ils reçoivent le plus d'amour de tous les animaux que j'ai jamais vus.   Y a-t-il des faits amusants sur vous-même que vous aimeriez partager avec la communauté ? Lorsque je ne crée pas, je joue à des jeux vidéo et j'apprends à coder. Avoir des centres d'intérêt variés est important ! En conclusion de l'interview de Caterina, j'apprécie vraiment son talent diversifié : de l'auto-édition d'un livre au groupe communautaire @exproseyourself, elle associe parfaitement la créativité à chaque projet. Visitez son site Web et suivez-la sur IG pour en savoir plus. Votre soutien non seulement reconnaît son talent, mais contribue également au voyage qu'elle entreprend. À la prochaine ! Suivez Caterina sur Instagram @cat.sauro ou visitez son site Web à monella.ca. Vous pouvez également la contacter directement à caterinasauro3@gmail.com Pour toute demande de renseignements sur notre blog, n'hésitez pas à envoyer un message à social@cantoocity.com

Nous croyons que le partage d'expressions est au cœur d'une communauté florissante. En tant que contributeur clé de « Creator's Square », nous sommes ravis d'accueillir l'artiste à temps partiel basée au Manitoba , Denee Johnson , pour partager son parcours créatif avec nous ce mois-ci. Pourriez-vous nous parler un peu de vous ? Je m’appelle Denee Johnson et je suis une artiste indépendante et autodidacte à temps partiel basée dans le nord du Manitoba. J’ai commencé mon parcours créatif au début de 2019, en en faisant progressivement le centre de mes soirées d’ici 2021. Bien que je travaille principalement avec de l’acrylique, j’explore également les aquarelles et les pastels à l’huile. Mon art vise à promouvoir la positivité corporelle et à encourager une estime de soi positive, dans le but d’apporter du bonheur à mon public. Lorsque j’ai découvert l’art, j’étais confrontée à des défis liés à la confiance en soi, à l’anxiété et à la dépression. J’ai canalisé ces émotions dans des poses puissantes, complétées par des couleurs vives et audacieuses. Quel aspect du métier d’artiste vous passionne le plus ? Pour moi, la chose la plus excitante dans le métier d'artiste est la peinture elle-même, aussi étrange que cela puisse paraître. J'ai trouvé du réconfort dans l'espace que je me suis créé, un petit studio dans mon sous-sol. C'est mon moment pour danser, rire, pleurer... J'utilise la peinture comme un réceptacle pour ces émotions. Je n'ai même pas besoin de peindre quelque chose de cohérent, juste un pinceau en main et la peinture me remonte instantanément le moral. Pourriez-vous partager l’histoire de votre création préférée et pourquoi elle est importante pour vous ? Mon œuvre préférée à ce jour (même si elles peuvent toutes être considérées comme mes préférées) est celle que j'ai réalisée fin 2021 et début 2022, intitulée « Weed and Water », sur une toile recyclée. Elle incarne un esprit puissant, audacieux et insouciant, quelque chose auquel chaque personne devrait aspirer. Cela me procure tellement de joie de créer et de simplement jeter de la peinture partout. Je me perds dans le processus et, en prime, cela me réconforte de voir d'autres personnes accepter leur propre singularité et s'aimer pour ce qu'elles sont. Quels sont les principaux défis auxquels vous êtes confrontés en tant qu’artiste aujourd’hui ? En tant qu’artiste, mes principaux défis, en plus de maîtriser les proportions anatomiques, tournent autour du temps. En tant qu’artiste à temps partiel, j’ai souvent du mal à m’en tenir à une œuvre spécifique en raison du temps limité dont je dispose pour créer. Cela se traduit par de nombreuses pièces inachevées pour diverses raisons. Quel impact aimeriez-vous que votre art ait sur les autres ? Mon objectif est que mon art et son parcours trouvent un écho auprès des spectateurs et éventuellement des collectionneurs, que vous êtes puissant à chaque instant et à chaque saison de votre vie. Votre corps vous appartient, votre parcours vous appartient. Ma première passion est de promouvoir la positivité/neutralité corporelle et d'être à l'aise, osez l'être. Soyez fier de la peau dans laquelle vous êtes. Merci, Denee, d'avoir partagé votre histoire avec notre communauté. Le parcours de Denee montre le pouvoir transformateur de l'art. Si vous avez été inspiré, il est temps de lui montrer votre soutien en lui envoyant votre appréciation. Nous avons hâte de vous revoir la prochaine fois.   Suivez Deene sur Instagram @deeds.bydee ou visitez son site Web à www.deetsbydee.com Pour toute demande de renseignements sur notre blog, n'hésitez pas à envoyer un message à social@cantoocity.com

Alors que l'automne s'installe, nous nous rendons au café du coin pour nous plonger dans l'histoire de notre invité, Paul Cocker . Originaire de Kitchener, en Ontario, au Canada, Paul est connu pour ses illustrations à la plume et à l'encre. Rejoignez-nous pour explorer le monde de l'art à travers la perspective unique de Paul. Parlez-nous un peu de vous. Bien sûr ! Je m'appelle Paul Cocker et je suis un amateur d'art de Kitchener, en Ontario, au Canada. Quand j'étais enfant, l'art était mon cours préféré à l'école primaire et au collège. Je gribouillais et dessinais toujours dès qu'il y avait du papier à proximité. Cependant, une fois au lycée, d'autres intérêts ont pris le dessus. Ce n'est qu'après une pause de 30 ans avec l'art que je suis revenu à la planche à dessin et que j'ai ravivé ma passion pour l'illustration. Je partage activement mon art en ligne depuis maintenant 4 ans. Pourriez-vous nous donner un aperçu de votre style artistique et quels sont les thèmes ou motifs centraux qui apparaissent souvent dans vos œuvres ? Je décrirais mon style artistique comme une illustration à la plume et à l'encre avec une préférence pour le noir et blanc. J'aime expérimenter avec différents stylos pour créer des épaisseurs de ligne variées et appliquer des hachures croisées pour la texture, l'ombrage et la profondeur dans mon travail. La plupart de mes œuvres s'inspirent de mon amour pour les bandes dessinées, la caricature et le monde des films d'horreur. Y a-t-il une expérience particulière qui a joué un rôle majeur dans votre choix de poursuivre l’art comme passion ? Il n’y a pas eu de moment précis où j’ai décidé consciemment de faire à nouveau de l’art mon passe-temps ; c’était plutôt une impulsion subconsciente, voire inconsciente. Il y a quelque chose de zen et de cathartique dans le fait de passer du temps à dessiner des bandes dessinées et à gribouiller. Cela me procure également un sentiment d’accomplissement lorsque je traduis mes pensées en images tangibles. Souvent, ce que je finis par griffonner sur une feuille blanche n’est pas exactement ce que j’avais en tête, mais le fait de faire les gestes me détend toujours. Même pendant ma pause artistique, il m’arrivait de gribouiller, donc je suppose que l’envie de dessiner n’a jamais vraiment disparu. Dans l’ensemble, j’apprécie simplement le processus de dessin, et c’est ce qui m’influence le plus. Pourriez-vous partager les histoires derrière certaines de vos œuvres d’art préférées et expliquer pourquoi elles ont une signification particulière pour vous ? Je n’ai pas d’œuvre préférée, mais certaines d’entre elles ont une signification particulière pour moi. Prenons par exemple mon illustration de Howard le canard. C’est là que je suis tombée amoureuse des hachures croisées, découvrant comment faire apparaître d’innombrables lignes et tiques en 3D et en texture. De même, une œuvre de sorcière à capuchon que j’ai créée pour un défi artistique il y a trois octobre m’impressionne. En l’équilibrant avec mon travail à temps plein, je me suis émerveillée du résultat. Récemment, je me suis lancée dans une série de croquis de grenouilles pour un défi artistique d’août appelé #frogust. M’éloignant de mon noir et blanc habituel en raison d’un daltonisme partiel, j’ai opté pour des stylos à bille BiC 4 couleurs, acceptant l’incertitude. C’était libérateur et amusant. Même un simple croquis de souris a du sens pour moi. Je l’ai produit à partir d’un gribouillage aléatoire dans mon carnet de croquis, un exercice créatif que je trouve à la fois agréable et gratifiant. Avez-vous déjà rencontré des blocages créatifs ou des périodes de doute au cours de votre parcours ? Comment les avez-vous surmontés ? Les blocages créatifs sont une expérience courante chez les artistes. Lorsque je suis confronté à un blocage, je change de vitesse. Le fait de gribouiller, de revisiter de vieux dessins ou même d'expérimenter avec des livres de coloriage m'aide. Si je rencontre un obstacle dans un dessin, je persévère. C'est gratifiant de pouvoir sortir d'un défi en dessinant, même si le résultat diffère de mon plan initial. Qu’est-ce qui vous apporte le plus de joie en tant qu’artiste amateur ? Je n'ai jamais vraiment réfléchi à ce genre de choses. J'aime partager mon art sur les réseaux sociaux pour que les gens puissent voir que l'art peut être un passe-temps amusant et qu'on peut progresser au fil du temps. J'aime voir comment j'ai progressé au fil du temps. Y a-t-il des faits amusants ou intéressants sur vous que vous aimeriez partager avec la communauté ? Outre ma passion pour l'art, le fait d'être daltonien ajoute une touche unique à mon parcours. Autre détail intéressant : je suis une jumelle identique, chacune de nous possédant ses propres compétences et talents. L'histoire de Paul nous rappelle que la créativité est infinie et que l'art peut jouer un rôle important dans nos vies. À votre tour de partager son histoire avec vos amis et de faire connaître notre communauté et les histoires inspirantes qui y sont présentes. Célébrons la créativité et la joie que l'art a apporté à nos vies. À la prochaine :) Suivez Paul sur Instagram @pisceanpaul , linktr.ee/pisceanpaul pour voir plus de ses créations. Pour toute demande de renseignements sur notre blog, n'hésitez pas à envoyer un message à social@cantoocity.com